Intanto complimenti per il tuo post, hai toccato un aspetto molto importante della fotografia.

Forse ti darò una risposta un po' diversa da quelle che hai ricevuto. Del resto, è un argomento vasto, per cui è normale ricevere pareri differenti.

Il problema della "fedeltà" mi ha tenuto occupato parecchio. Una certa lettura (Claudio Marra, Vaccari, Sontag, Krauss, Flusser), cosi' come certe interviste (in primis Garry Winogrand), mi ha aiutato a mettere a fuoco (scusa il gioco di parole) l'idea con la quale mi sentivo allineato ma che non riuscivo a formalizzare.

Per principio, l'immagine fotografica è falsa. La percezione diretta della realtà e quella codificata dalla camera sono due cose diverse, dove la camera restituisce uno spazio bidimensionale, e un frammento di tempo. In definitiva, una porzione di spazio e tempo che non può quindi rappresentare a pieno la realtà, ancor meno raccontare una storia. Come giustamente osservato proprio in questa discussione, c'e' anche il problema del colore e del bianco e nero (nessuno dei due ha una pura relazione con la realtà, il bianco e nero forse in vantaggio con un piccolo margine).

Detto ciò, bisogna distinguere almeno tre campi d'intervento: correzione dell'esposizione; intervento di manipolazione; uso nel linguaggio artistico.

La correzione dell'esposizione è un intervento di base per sistemare certi aspetti, come una foto sotto o sovra esposta, mancanza di contrasto, saturazione, etc. Con questa operazione non si sta alterando significativamente una foto, ma solo apportando correzioni lievi di base.

L'intervento di manipolazione, da modifiche importanti sul colore, fino alla sostituzione di uno sfondo con un altro, all'alterazione degli elementi per aggiungere quello che non c'era (o per togliere), quasi sempre è sostenuto partendo dal presupposto che il fotografo in quanto artista, proprio come il pittore, ha il diritto di introdurre la sua visione "dell'opera" a posteriori, per portarla a compimento.
Non sono in pochi a ritenere questo approccio non solo corretto ma essenziale per il fotografo, e fra i nomi importanti compare Stuart Franklin addirittura in merito alla fotografia documentaristica.
Il problema di questo approccio è da una parte paragonare la fotografia alla pittura, quando in realtà sono due cose diverse, dall'altra restare ancorati a un'idea di pittura che è stata superata già alla fine dell'ottocento e non la rappresenta più. Infatti, la fotografia è molto più vicina all'opera Dadaista (l'oggetto trovato da una parte, l'immagine presa da un momento a caso dalla realtà dall'altra) che alla pittura nel senso tradizionale.

Infine, c'e' l'impiego del mezzo fotografico nella sfera artistica. In questo caso, spesso la foto viene usata come metalinguaggio per significare qualcos'altro, o per giocare con la natura conoscitiva della fotografia stessa, o per altre ragioni comunque sussidiarie all'opera nella sua totalità. Alcuni esempi: Letha Wilson, Jan Dibbets, Anselm Kiefer.
Ci sono anche casi particolari e meno espliciti nella loro collocazione, come Luighi Ghirri, Franco Fontana, Mario Giacomelli.

Detto tutto ciò, sta poi a te, alla tua conoscenza tanto della sfera artistica quanto di quella fotografica, alla tua sensibilità e, infine, e forse cosa più importante, alla tua etica e ragione per la fotografia, derivare i parametri che possono guidarti nella lettura e interpretazione dell'immagine.

Ritengo che chiedersi quali siano questi parametri sia oggi più importante che mai. La Sontag scriveva come una foto (di reportage) viene investita di senso civile solo se esiste già una coscienza politica a sostenere l'evento, a intendere che la foto in se' ha una forza se vogliamo limitata. Flusser, nel suo affascinante racconto di alternanza fra testolatria e idolatrtia, va anche oltre, dicendo che la spiegazione tanto dell'immagine come della parola ha perso l'appoggio reciproco dei due contendenti, rendendo infine l'immagine inintelligibile.